【书画集】黄宾虹：鉴古不是回顾，知时而不欲改

宾翁生前，有一位比他小40岁的好友傅雷； 宾翁去世后，他还有一位比他小75岁的世纪挚友王钟秀。 “每个人都有不同的看法，但站在寒冷中很爽”，这是黄宾虹在给傅雷的信中流露的感受。 “落叶归根追梦”的黄宾虹，是那个“坐了十年板凳”的动荡时代的孤独异数。 半个世纪后，研究黄宾虹的王钟秀在旧纸中又坐了30年的板凳，将帛纸上的老人还原成了有血有肉的老朋友。

黄宾虹《山水卧游图》（局部）40.5×305cm 纸本设色1952年中国嘉德2011年秋季拍卖成交价格：人民币5290万元

30年来，黄宾虹随着艺术市场的繁荣加入“亿元俱乐部”，成为资本追捧的明星——《黄山汤口》3.45亿、《山水四绝》7820万、《小《南峰观》62.675亿、《山河游记》5290万……

在拍卖会上举牌的兴奋与社交媒体的多巴胺混合在一起。 当年的“酷”，现在变得“热闹、热闹”。 被资本胁迫的“大师”，已经成为名利的象征。 然而，旅途不再孤单。 有多少后来者知道彬翁当年的目标？ 有多少人了解宾翁的黑黑圈到底是怎么回事？ 此时回顾历史，将为市场提供及时的清醒反思。

2018年11月28日凌晨，王钟秀先生去世，留下了一生的收藏和万言，给中国美术史学术界留下了一声叹息，也留下了一代代传承的接力棒。一代。 3月18日，“中国国光——王钟秀收藏黄宾虹美术文献展”在中国美术学院美术馆开幕。 当代学者和青年学子，在这座精神殿堂里，看到了前人的轨迹，也看到了未来的孕育。 这是中国艺术的未来。

王钟秀《1943年黄宾虹与傅雷》手稿

黄宾虹的绘画图案只属于黄宾虹

路边的牛蒡尽管被践踏，伤痕累累的身躯上仍然长出了新的枝条。

列夫·托尔斯泰笔下的牛蒡草的遭遇与生命力，让我们想起了20世纪中国绘画的命运。 20世纪初，中国画和它所赖以生存的中华民族一样，面临着生死存亡的抉择。 在世纪的风暴中，她遇到了来自两方面的冲击：一方面是19世纪中国画界在商业化进程中更加迟缓的惯性的影响，另一方面是中国画坛惯性的影响。 ，西方古典绘画艺术和观念的影响对中国人来说是新奇的。 影响。 在双重夹击下，有人惊呼中国画已经走到了穷途末路。

于是，中国画界分裂成了两个“板块”：一些有识之士从外来文化中看到了中国画走出绝境的曙光，开始探索用西方绘画技法来改造萎靡不振的中国画；另一些有识之士则从外来文化中看到了中国画走出绝境的曙光，开始探索用西方绘画技法来改造萎靡不振的中国画；一些有识之士则从外来文化中看到了中国画走出绝境的曙光，开始探索用西方绘画技法来改造萎靡不振的中国画。 一些保守的人固守着守旧，固守旧规矩，除了感叹河流的衰落之外，他们也满足于生活在一个安宁的角落。

这是本世纪初中国画坛形势的鸟瞰。

因为黄宾虹强烈批判了中西日画相结合的“折中派”，因为他对中国文化精髓的不断维护，因为他在讨论中国画理论时多采用旧画理论的“成分”，因此，他的画作的渐变图案来自于传统，长期以来他被评论家定位在保守的“部分”。 当我们放在更广阔的语境中审视他，当我们仔细领会他的系列绘画的精神时，我们发现这样的定位并不符合史实。

黄宾虹的实际情况远比这么简单的定位复杂。

黄宾虹《故宫鉴画录》手抄本

20世纪30年代，黄宾虹在《中国山水画的古今变迁》中认为，学术界（包括艺术界）向外国欧洲人“借用他们的观点，让他们选择”是“自然的”。以及日本学者。 同时，我们还需要“回归本源”。 他深知中国画“回归本源”再生空间的取向很容易与保守、逆流相混淆，因此他反复表达自己的想法：“鉴古不是回顾，而是知时”不想纠正他们。” 当他爬起来大喊时，他就回应了。 闲暇之余，他继续在古纸堆和世界艺术潮流中寻找。 1934年，他创办了百川书画社，与一批美国高校的年轻西画教授探讨中西绘画理论。 在他的一生中，在坚守本土文化的同时，他始终保持着开放的心态。 他坚信寻风神途，在危机与机遇并存的当今时代，具有深厚传统的中国画一定会取得更大的辉煌。

看外国艺术回归本源，需要忍受“十年板凳坐”的孤独，需要读万卷书、行万里路，耗尽一生心血的毅力。 这对于一个生活在严峻生存压力下、还要养家糊口的画家来说是难以忍受的。 因此，在1943年黄宾虹遇到知己傅雷之前，现实留给他的只能是一条孤独的行者之路（黄宾虹说）。

走独行者之路，使黄宾虹不同于视传统为糟粕、渴望中西妥协的“新派”，也不同于视外来文化为洪水猛兽的“老派”。保持不变：他处于新旧两个“盘子”中。 “超越边缘。这导致他将自己放逐到两个大陆之间的一座小“岛上”。

黄宾虹“回归本源”的绘画语言似乎是陈词滥调。 他以强烈的个性化给出的理论阐释与时尚审美趣味相距甚远，已经过时。 因此，在他去世前后的很长一段时间里，他的艺术和艺术理论很难被真正欣赏，他的亲密朋友也很少。 当20世纪几经变迁时，中国画的生存环境和成长空间再次引起人们的关注。 当20世纪的文献搜集工作取得一定进展时，黄宾虹一度难以突破的绘画理论核心有望突破。 他有很强的个性。 当他的作品被更多人了解之际，出土的那些曾经泛黄脆纸的《黄宾虹文献》几乎成了一门“绝妙的科学”，回顾黄宾虹“黄宾虹文献”梳理的过程《独行者之路》也许是一件有趣的事情。

艺术拒绝复制或遵循过去。 黄宾虹的绘画图案只属于黄宾虹。 除去他的绘画图案和他所奉献的艺术瑰宝，黄宾虹的艺术思想哲学和艺术演化机制也许更值得我们思考。

傅雷认为：“绘画的目的不仅是为了捕捉古代圣贤的精髓，也是为了为后人铺路。”

我认为他是对的。

读黄公画

凡是读过黄公画而感到困惑的人，都是因为他愚笨而怀疑。 现在我已用尽了所有知识并讲述了它，我深恐盲人对图像的解释将毫无用处，因此他以精确的方式表达了问答的言语，这就是智者之道。绅士。

黄工画“不求形似”

嘉宾：黄工的画以山水为题材。 山不像山，树不像树。 他们散落各处，什么也找不到。 为什么？

他说：“子近距离观画的方式，是抚断碑残迹，而不是观画。” 怎么能看得远呢？

嘉宾：看画是不是真的需要很远的距离？

曰：目所见之物，必须等距，方能清晰。 距离与距离的区别取决于物体的形状和大小。 要想看清一个人的面色、神态，还得离他几丈远。 如今的山河，都是大事了。 如果仔细观察，只能看到岩石的纹理，只能看到树枝和一半的树木。 他们怎么可能有山的气势？ 为什么森林稀疏，树木茂密？ 为何来去如烟云？ 这个郭和阳的理论也很普遍。 “看不见庐山真面目，只有身在这座山中，才能看到庐山的真面目。” 要了解天地之间的风景，除非身在百里之外，才能纵览全貌。 当你在一块布上看风景时，仅仅坐在办公桌前是无法抓住它的。

黄宾虹《四绝山水》，143.5×47×4，设色纸本，1949年，中国嘉德2018年秋季拍卖会 成交价：人民币7,820万元

嘉宾：黄工的画很草率，和现在的画风很不一样。 怎能马虎而后见笔墨呢？

说：哦！ 子玉不识笔墨，更不识画。 这个道理不是一朝一夕就能明白的，更不是一时之间就能明白的。 草率是什么意思？ 若指做工欠缺，则应知画作拙拙，与形式工整无关。 如果表示形状有缺陷，就应该知道这幅画不是写实的。

客：山水若非天地之本，何以相距如此远？ 这幅画不真实吗？ 难道所有的画都只是空中楼阁吗？

他说：风景是自然的形象，不是抄袭其形状。 绘画不是描绘事物的外表，而是传达事物的内涵。 如果相似是最重要的，那么名山大川都可以一览无余，真正的来历都在，又何必呢？ 除了摄影之外，还包括电影。 不仅细节详尽，而且文字连绵、栩栩如生。 此时，为什么有一点绘画的触感更重要呢？

我写相貌、事物、情感时，据说是让人思考、抒情的。 然而，如果你没有当渔夫、樵夫的傲人志向，你的志向就很难形容。 不读万卷书，行万里路，难以形容境界。 画画是这样，看画也是这样。 紫急忙说道，因为他还受限于形状和痕迹，没有慧眼。 如果你能仔细揣摩、仔细体会，你一定会看到形状如草，但实际上规则严格，物体的形状可能并不完全一样。 物理总是处于控制之中。 粗心就是做工。 如果形体工整，而生机已绝，形貌栩栩如生，而意义平淡，则工整而死气沉沉。 今天的学者对这种差异知之甚少。 因此，它们不限于标志。 唯一的就是要细致、精致。 他们用尽所有的聪明才智来思考。 如果他们急于工作，他们就会变得笨拙。 他们会忘记外表。 他们又累又笨拙。 仍可称之。 艺术？

怎样写一个艺术家？ 写意境、实物等只是介绍和寄托。 古人说作画之道，画雾面、山巅之景； 画景就是画景，面也是顶。 如果你明白了这一点，你就可以保存这幅画，并且你可以理解画家不使用它。 现实主义是目的原则。

黄工的画“难看”

嘉宾：黄工的画笔墨很精致，但还是感觉有难度。 为什么？

他说：什么叫困难呢？

嘉宾：你不可能让人一见钟情。

他说：古人云：看画如看佳人，风神骨在身外。 今人看古迹，先观其貌，再观其色，再观其实。 这不是欣赏的方法。 事实上，这个理论可以适用于所有作品，无论现代还是古代。 乍一看不错，但渐渐看腻了，这是一个好品质； 乍一看很平庸，但渐渐地就越来越好，这是一种奇妙的品质； 乍一看似乎很难，不合时宜，但随着时间的推移，渐渐明白了，越久越喜欢，这是神性，一品也。

看画是这样，看人也是这样。 美在表面，一眼就能看出来，情感浅而意义淡，所以初欢而终厌。 其美蕴含其中，寓意颇多，引人深思，画意盎然。 因此，一开始看起来很平常，但最后你会看到奇妙的景象。 若此人粗犷、森严、威严，如高僧、隐士，忽而望之如千里之外，或质朴自然，空若无物，如一个迟钝的人，一般人都会转头不理他，但他却会专注、专注。 1、只有谦虚淡定，认真思考，才能在崎岖中看到壮丽，在平凡中洞察永恒。

然而，宝藏深奥，不是仅仅品尝就能得到的； 但宝藏深邃，探索和敲击无穷无尽。

傅雷《观画答客》初稿

黄公画《不从四王》

嘉宾：黄公题画多为宋元所推崇，为文人画所称道。 不过，清初的“四王”也很尊重元朝人民。 为何黄公的作品与“四王”的作品相差如此之大？

他说：“四王”论画，其意见并无不妥。 他们虽然考虑到了元代的绘画，但仍然只了解其表象，而未能了解其内涵，才华也有限。 元朝人民稀疏，古老，英雄。 “四大天王”的作品中还能找到多少痕迹？ 因为它受法律约束、服从法律，所以它是零碎的、呆板的。 到清代这幅画完成时，它已经走到了生命的尽头。

近年人们盲目跟风、认同，起步就必须效仿“四大天王”。 可以说手段是低劣的。 后来，他常常模仿元代人，只注重皲裂和擦除。 他不知道自己的笔墨从何而来，更没有想过自己所练的台词。

嘉宾：但是黄氏在宋元时期取得成功的结果是什么呢？

他说：无非就是一个“神”字。 我们以《层峦叠嶂》这幅画为例。 气纯而实，筋骨青而肥。 这不是元人的风格吗？ 但他性格豪爽、活泼，超出了元朝人的道路。 他自由地使用他的笔并创造他自己的法则。 又如《莫农》的框架，山势巍峨，绿草葱葱，一如京观风格，但复杂程度却相差甚远。

前人用写实主义，黄氏写意，笔墨圆润，花繁茂绿。 怎么能遵循北宋的标准呢？ 这种取长补短的作风比比皆是，难以举例。 例如《白云山苍苍》，笔法简洁如金石，活泼如龙蛇，色彩鲜艳而不艳丽，秀丽而不妖媚，轮廓鲜明而不伤人，韵味弥漫，尤显黄公容颜。

黄公智的画“与众不同”

嘉宾：世界上最著名的艺术家使用画笔和色彩，每种类型都有一定的外观，让人一眼就能认出来。 如今黄先生的画，浓淡、粗细各不相同，仿佛是两只手画出来的。 为什么？

曰：凡人只敬一族，故其相貌皆一模一样； 黄家集齐了所有的实力，已经进入了悟道境界，所以家族的数量是无穷无尽的。 普通人可以行进不到百里，与古老的宗族家族共度日日夜夜。 故一山一谷，清净如七宝塔叠； 或者它实际上就像一个拼图游戏，从东边捡起一座山，从西边捡起一块水来拼凑起来。 宽度。 黄公泽游山涉古，读数十寒暑，读胸前烟雾缭绕，读存于腕底的灵异造化；

于是我就放下笔去写，或千里之外捕捉，或画巨峰一角，或写晚霞，或写雨景，或写雨景。或唱咏春晨光，或唱西山秋爽，阴晴天、暗天，时时变化。 ，淡化舒适感，变得压抑大方，随情绪变化，不同的画面、不同的结构是不可避免的结果。 《圈仙阁》《虚白山抱明月》《宋画暗》《三百零八滩》《鳞鳞低皱》《绝剑寒流》，皆是轻，一重，还有一个厚的。 一个轻，一个粗，一个细，遥遥相望，像两根杆子。